The R Disney

Bella y Bestia no son

Esta historia empezó en 2010. No, en realidad empezó en 1996, cuando a alguien se le ocurrió que las nuevas tecnologías habían avanzado lo suficiente como para epatar al paleto medio con 101 dálmatas convincentemente recreados vía CGI. Como contrapunto humano, se fichó a Glenn Close para que lo diera todo como la Cruella de Vil definitiva. El tiempo ha relegado todo aquello a la categoría de mera curiosidad mencionada de tanto en cuando, el 99% de las veces por boca de alguien que fue crío en aquella época. Las pocas veces que pensamos en aquella película la asociamos a la bufonada inofensiva media que entendíamos por cine familiar a mediados de los noventa. Los perritos en CGI no han quedado sino como una gota más en el océano de las monstruosidades digitales de aquellos terribles años que sucedieron a Parque Jurásico en los que Hollywood se volcó en la creencia de que los gráficos por ordenador habían alcanzado el pináculo de la creación virtual, justo entre los cocodrilos de Eraser y los monos de Jumanji. Muchas buenas palabras se dedicaron al trabajo de Close, palabras merecidas pero en última instancia irrelevantes, dado que veinte años después las aguas han vuelto a su cauce y la mención de Cruella de Vil nos trae a la mente la inmortal creación animada de Marc Davis en 1961 y poco más. Una nueva intentona de tratar de remplazar la perfección en el imaginario popular está a la vuelta de la esquina, con Emma Stone recogiendo el testigo de Close, pero no adelantemos acontecimientos.

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Eso, quedémonos aquí un momento más, para reflexionar sobre cometer los mismos errores dos veces.

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The R Disney

Vida después de Anna y Elsa: cavilación en dos partes

Hace unos días andaba yo deambulando por el Carrefour con mi gabardina de exhibicionista y me quedé mirando un calendario de adviento de Frozen, con Anna y Elsa ahí muy sonrientes y más maquilladas que Jade, la Bratz fashionista. Desde fuera podría haber parecido que me había quedado hipnotizado ante aquella inexplicable brujería que llamaban impore, pero lo cierto es que estaba sumido en mis pensamientos. Y es que los momentos de revelación que llegan sin previo aviso tienen una cualidad casi surrealista.

La ubicuidad de los rostros de Anna y Elsa en nuestro día a día es algo que ya hemos asumido como el comer o la tipografía de Batman Forever en el letrero de cualquier negocio de medio pelo de Madrid. Ya sea en merchandising, carteles anunciando el enésimo espectáculo temático sobre hielo, subproductos apócrifos con Leticia Sabater o incluso en esa niña que ahora mismo ha pasado por tu lado cantando Let It Go a todo volumen –no me mires así, no es que te esté vigilando, es que la estadística está de mi parte en esto–, ahí esta Frozen (y cuando me despierto después de haber dormido con Amy, ahí está Amy). No obstante, no debería ser tan difícil comprender mi súbito sentimiento de extrañeza ante el monstruoso fenómeno representado por aquel calendario de adviento. Habiendo nacido en 1988, el reinado absoluto de la Disney como expendedora de entretenimiento familiar se había ido desvaneciendo gradualmente al compás de mi infancia desde el pico histórico de El rey león en el 94, de modo que el grueso de mi vida como persona adulta –o al menos como ser humano con cierta capacidad crítica / adolescente salido– he conocido a una Disney derrocada, una compañía que pese a no haber parado nunca de intentar volver a rugir triunfalmente con nuevas historias que añadir a su canon animado, ha vivido casi exclusivamente de mantener vivos los recuerdos y la nostalgia por tiempos mejores. Mirando aquel calendario fui consciente por primera vez, de forma explícita, de que el status quo al que estaba acostumbrado hasta el límite del no cuestionamiento había cambiado por completo. Allí estaba la Disney, de nuevo reina indiscutible, logrando lo que desde el 94 no había alcanzado salvo esporádicamente y mediante propiedades adquiridas, no propias: una fiebre de proporciones descomunales que, en 2016 –tres años después de la aparición de Frozen en las pantallas–, ya puede considerarse carne de Historia.

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Siniestras soylent-implicaciones.

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Nacimiento, vida y prematura muerte de Circle 7 Animation

Los siete años que van desde 1999 hasta 2006 son lo que me gusta llamar cariñosamente la Era Stepford de Pixar. Entre estos años Pixar estrenó Toy Story 2, Monstruos S.A., Buscando a Nemo, Los Increíbles y Cars. Exceptuando la crónica postapocalíptica sobre el mundo inmediatamente posterior a la victoria de Skynet que es Cars, se trata de una lista intachable, y nadie podría haber adivinado las dificultades y problemas que estaba atravesando la compañía de John Lasseter entre bambalinas. Son unos años en los que Pixar trabajó incansablemente para dejarnos un producto de excelsa calidad al año, irradiando entusiasmo y amor por el arte de hacer buen cine. Recogiendo óscar tras óscar. Amasando dinero y más dinero. Sonriendo y saludando, como una mujer de Stepford. Y por dentro, lejos de la atención de nosotros los espectadores, pasando por el periodo más oscuro de su existencia. A todos nos ocurriría lo mismo si en el momento culminante de nuestra carrera descubriéramos la existencia de un gemelo malvado que amenaza con destruir todo por lo que hemos luchado y violar nuestro legado. El nombre del gemelo malvado de Pixar era Circle 7 Studios, y su historia, terrible, trágica y plagada de desnudos parciales, merece ser contada en The R Lounge.

De los problemas de Pixar derivados del mal uso de la radiación atómica hablaremos otro día.

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Eurovisión: edición Disney Bluray (¡por tiempo limitado!)

No es que The R Lounge sea un blog con miles de millones de visitas diarias, pero yo estoy muy contento con lo que hago. Escribo sobre lo que me gusta y como yo quiero, y cuando una de mis entradas gusta, gusta de verdad. El número de visitas se dispara cuando hablo de doblaje –algo que me sigue desconcertando–, y el épico análisis de Goofy e hijo sigue rebotando por las redes sociales incansablemente y provocando risas histéricas y llantos apasionados, lo cual me hace pensar que esta era de reinicios y nuevas versiones es el momento ideal para iniciar la producción de un reboot en pantalla grande de las desventuras de Goofy, Max y el Bigfoot. Más adulto y oscuro, por supuesto. Y con kevlar.

Sin embargo, en momentos como éste me gustaría tener más seguidores. Éste no es un blog lo suficientemente famoso como para justificar un loco concurso con votaciones y todo, así que lo que viene a continuación no será tan emocionante como podría serlo si hubiese dos millones de pajeros pulsando diariamente el F5 frente a The R Lounge, preguntándose con una mueca desesperada si alguna vez volveré a contar anécdotas sobre mi relación adolescente con el porno. Pero igualmente aquí está: el Eurovisión de las portadas Disney.

Este evento cuenta con la aprobación de la ganadora de Eurovisión 1965 France Gall.

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Si Walt levantara la cabeza

Hail Powerline, querido lector. ¿Has visto ya Frozen? ¿Sí? Estupendo, porque yo también. Y no sé tú, pero yo me hallo desconcertado. El crítico de a pie le dedica sus adjetivos más sensuales, el fan de a pie insiste por enésima vez en internet en que la nueva Edad de Oro ya está aquí y el John Lasseter de a pie sigue siendo alabado como el Salvador del legado de Walt Disney. Y yo no puedo evitar preguntarme: ¿se ha vuelto loco todo el mundo? La nueva Edad de Oro apesta sospechosamente a podrido desde el momento en el que empieza a hablarse de ella antes de que lleguen las películas que traen consigo esa nueva era y no después, John Lassetter se dedica a despedir a todo director que insista más de lo conveniente en un punto de vista artístico vagamente arriesgado y por culpa de una serie de males que tienen su raíz en esta dictatorial política convencionalizadora Frozen es, dicho claramente, una mala película.

¿Qué pasó con ese tono oscuro que nos prometían hace un año?

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Un fan solitario

Si tú, querido lector, has seguido detalladamente mis aventuras en la red desde que abriese este exquisito blog hace ya casi cuatro años –cuando los cardados, las hombreras y las mujeres que luchaban por introducirse en el computerizado mundo de los hombres estaban a la orden del día– habrás deducido que me gusta bastante Walt Disney. No siento vergüenza al decir que de las cien entradas –sí, cien exactas– que he escrito hasta ahora me quedo con mucho con las que versan de un modo u otro con las películas Disney. Me lo paso como un enano escribiéndolas, me divierto tergiversando datos sin atisbo alguno de moral, paladeo la fluidez con la que manejo la información sobre el vastísimo universo de la animación del tío Walt y hasta me río autocomplacientemente con las ocurrencias iconoclastas que me van saliendo al tiempo que tecleo. Dios, ¿puede existir un tipo más odioso? Sí, tú, por ejemplo, con tu asquerosa condescendencia y tu cara de mono.

Pero mientras que en mi casa, frente a mi ordenador y rodeado de chicas que bailan frenéticamente en sus bikinis de lunares, soy feliz disertando sobre los primeros y relativos vestigios de feminismo que pueden intuirse en Cenicienta, sobre la descompensación entre forma y fondo de La bella durmiente o sobre si Jasmine Esclava le da o no una patada en el culo a Leia Esclava (se la da), en el mundo real soy, en lo que se refiere a este tema, un ser sombrío y frustrado.

La esclavitud: un mal reprobable, pero sólo en ocasiones.

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La película más triste del mundo (Vol. 2)

Previously, on The R Lounge…

Con la mansa pachorra que caracteriza a un Terrence Malick, aquí llega la esperada segunda parte de la intensa review de una de las películas clave del cine de los noventa, en una época en la que destacar entre proyectos irreprochablemente rompedores como Pulp Fiction, Trainspotting y Sospechosos habituales era tarea casi imposible. Goofy e hijo lo consiguió, por su subversión de los códigos narrativos del cine de conflictos paternofiliales y sus depresivas escenas con zarigüeyas mecánicas, nunca igualadas después ni siquiera cuando en El pianista un oficial nazi tira a un viejo en silla de ruedas por una ventana.

Cabe comentar que en mi afán ilustrativo de la reseña, a base de fragmentos youtuberos he intercalado prácticamente el 100% de la película en la reseña completa. Así que, querido lector, te propongo que te tomes esta lectura como un relajado entretenimiento de pura evasión. Como dice Alan Moore que hay que disfrutar de los cómics, busca un sillón cómodo, ponlo junto al fuego pese a que me leas desde Sevilla en pleno mayo y, liberándote de las prisas que caracterizan a este mundo informatizado lleno de internet, teléfonos portátiles y automóviles, asúmelo como un visionado audioguiado de Goofy e hijo en el que, como ocurre en las Ítacas, el camino importa más que el destino. Disfruta los vídeos cómodamente mientras alternas con mi rigurosa apreciación de los intensos acontecimientos que muestra la película, detente cuando te apetezca y continúa más tarde. Vamos allá.

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